皓How的部落格

        在2018年12月13號那天聽了黃文勇老師的演講，標題為當代影像美學的哲思與創作觀點，介紹了一些著名攝影家，以及黃老師身為一位著名創作者本身對於影像創作的一些見解和理念。值得一提的是從中突然冒出的眾多攝影師讓我措手不及，但還是一個個記在了筆記上。原本認為攝影不過是和角度、構圖、光影、曝光之類的參數有關係，最好能再加上一些故事和社會意象，讓照片能引起共鳴，這就就算是一個有價值、珍貴的照片了。

       沒想到這些黃文勇老師突然談到的，突然出現在我眼前的幻燈片裡的攝影師，更像是哲學家或是藝術家，或者稱為攝影家，對攝影這個活動提出了一些個人的見解和思考，像是卡提.布列松，首先提出攝影也應該象繪畫那樣構圖，認為攝影是一種凝神的表現（心靈、大腦、眼睛列為一直線）。

本人在網上看過一些資料，在攝影術出現早期有很多著名畫家利用攝影來作為繪畫的補助工具，使其作品不管是各方面的細膩程度遠超同時代的畫家，被稱為畫家的暗箱。起初攝影不被認為是一種藝術，而是一種工具，或是娛樂，評論家波特萊爾就曾說過攝影只是一個記錄的工具，是科學和藝術的奴僕，因為攝影無法象畫家那樣表現出個人的想象和內心的渲染（象征主義），而這是他所重視的。

此外黃老師也提出了一個觀點，藉著柏拉圖的洞穴理論，他認為洞穴就等於鏡頭，本人認為有一半的道理，人類的八大藝術繪畫、雕塑、建築、音樂、文學、舞蹈、戲劇、電影，為何沒有攝影？排除攝影是屬於新時代的事物，其實電影也是，而電影和繪畫是最接近攝影的藝術。攝影就是在捕捉現實生活的影像，曾聽說過一張照片等於一千種感覺，感覺的產生來源於觀者的教育程度、種族文化的觀看部署、個人經歷等背景，這些繪畫和電影也能做到，我認為如果要將一種理念、精神融入于影像中的話，電影的敘事、音樂加畫面無疑更能做到，可以說電影是攝影的一種藝術的升華，但並不能否認攝影是一門藝術，本人絕對認為攝影就是一門藝術，只是不在八大藝術的範疇而已。

如今攝影已經普遍融入普羅大眾，在這個網上一搜一堆的攝影技術分享，人人追求更高的手機鏡頭分辨率的時代，想單純的拍一張好看的照片已不是什麼難以企及的要求或技術門檻，懂點如何把照片拍得好看的技巧變成現在可說是人人都是攝影師，但不是人人都是攝影家。回到黃文勇老師講到，他不是攝影師，他自稱影像創作者，他的創作過程便是對一個地點在不同時間拍多張照片，然後用軟件把各個照片拼湊出一副大“照片”，其實用360度鏡頭應該也能拍出類似一般拍不到的廣闊度，但黃老師是對影像再創作，別忘了他是位創作者，不是單純的攝影，用各種照片拼出一副介現實與現實之間的景象（不同時間的同個景象），使得作品看上去有種介於幻與實之間的感覺，非常特別，他會為作品加上濾鏡，起到突出個人內心感覺的作用。個人認為其實這種影像創作只是一種影像的表現手法，可以說是賺足你眼睛注意力的一種噱頭，但背後的目的和意義具有社會價值，讓人關心災難後的土地，被廢棄椰子殼污染后的土地等需要被人关注的地方。他說從小在鄉下長大，對土地有一種感情，這是許多現代人所缺少的。

   在TED上的影片How playing an instrument benefits your brain - Anita Collins 裏，説明了演奏音樂對大腦有什麽益處，有研究顯示聼音樂能讓大腦各處產生反應，進而促進腦神經的連接。但對於音樂家來說，在演奏音樂的時候其大腦被激活的區域比衹聼音樂的人還要廣泛許多。這説明了演奏音樂除了能加强大腦各區域的連接外，還有利於大腦的開發，演奏音樂等於在對大腦進行一系列的强化訓練。雖然在古時候已經有觀點認爲音樂對與人的身心發展有許多好處，可是一直沒有確鑿的證據證明這些觀點，如今我們能明確音樂的另一層價值以及意義了，我們有一個强有力的證據顯示音樂還涉及了人類大腦的開發，而不再衹是陶冶性情的一種普通的休閑活動罷了。雖然尚未有其他發現是否有音樂領域以外的活動有類似的效果，可是演奏樂器本身是能幫助人們開發大腦是我們能確定的。這研究與我們有什麽關聯呢？我們除了有一個開始學習樂器的理由外，未來的兒童也能藉由樂器演奏的學習來鍛煉思維能力，這樣是否能間接提高普通民衆的思維水平呢？如果全人類的智力水平能逐步提高，我們的文明發展是不是能更加迅速變得更加强大呢？無論如何，器樂演奏的學習能為人們帶來許多的益處這點是不用質疑的。

       演奏一件樂器，能幾乎同時把大腦所有區域都喚醒，尤其是視覺，聽覺和運動皮層。與其它運動相比，規律的，結構性的演奏練習加强了大腦機能，讓我們能將這些優勢運用到其他活動中。欣賞音樂和演奏音樂最明顯的區別在於後者需要較好的動作技能，需要同時運用到大腦左右半球，它同時結合了語言和數學精度，這些多由大腦左半球參與，而新奇有創意的内容則由右腦參與。鑒於這些原因，演奏音樂對於提高腦胼胝體其容量及活躍度，胼胝體是鏈接兩個大腦半球的橋梁，能使信息在大腦内通過多樣的路徑更快的傳輸，這可能使音樂家在學術和社交環境中更有效和獨具創意的解決問題。由於創造音樂也涵蓋製作和理解其中的情感化的内容和信息，所以音樂家們通常具有高級別的執行能力一類相互關聯的任務，涵蓋了計劃、策略、注意細節，以及需要針對認知和情感進行同步分析，這種能力也影響著記憶系統的工作。并且，事實上音樂家展現了更佳高超的記憶能力，他們具備更快更有效的創造、儲存、恢復記憶功能。研究發現音樂家們能運用他們高度連接的大腦來給每段記憶賦予標簽，就像一個強大的互聯網搜索引擎一樣。

Education（教育）這個詞在傳統上我們會把它和 training（訓練）和 indoctrination（教化、灌輸、洗腦）區分開來。教育與訓練的不同之處在於，訓練是機械性地循環某個動作，直到非常熟悉，這應是任何人，甚至連機器人都能辦到的。而教育，是包含批判性思考、個人的價值觀和創造性等人性化的面向的，教育要做到的應是讓人瞭解到一個知識的來龍去脈，能將知識内化為自己所用的，并且日後能有創造性的運用這些知識。比如在學一首新的曲子時，學生或許會遇到一些瓶頸，在經過教師的指導下，他/她學會了某些有用的技巧，并且能將這種技巧運用到未來的學習當中，甚至能在這技巧上延伸出一些變化，本人認爲這就是學習，這就是教育。

但我們不能說練習所包含的價值比教育差，在去年2016年有一本書《刻意練習》，講述了如何練習才能更有效率達到目的，裏面説明了想精通任何一件事情都離不開練習，包括學習一件樂器。就如課文所説，練習一首曲子所延伸出來的一系列技巧和演奏原則是非常複雜的，我們不能單純的說練習一首曲子衹要重復性的按照特定的指法練習而已，想要演奏好一首曲目，我們還必須聆聽自己的演奏，從中找出不足的地方再改進，這又涉及了一系列聆聽、分析、反思的活動。實際上我們在用詞方面對於“學”一首曲子和“練習”一首曲子并沒有嚴格的區別開來，本人認爲目前爲止也不用特意地去區分這兩者的區別。

古時候柏拉圖曾想過一個問題，即比較兩點關於器樂演奏什麽才是比較好的觀點，第一種演出者演出的時候展現出精良的技巧，但是卻沒有一個很穩固的對於音樂的知識。另一個演出者對音樂的好壞有豐富的知識，但演出上卻沒有很好的技巧，演出不是那麽順暢。到底哪個才是好的？這是一個關於該專注在音樂的演奏或是音樂的内涵的問題。依本人個人觀點，兩者都同樣重要，何況現在世上精通兩者的人不在少數，一個好的演奏者，不僅需具備扎實的器樂演奏基礎，還要有良好的音樂涵養，這樣才能更好的表達一首曲子，也許每個人對同一首曲子的詮釋不一樣，但也沒有對與錯、好與壞的區別，因爲同一首曲子給每人的感覺本就不一樣。這也就涉及到了音樂欣賞的課程的探討。音樂欣賞課程的存在事實上本人覺得是必要的，因爲它給了人們一個可以參考的體系，對，就衹是參考，我們不可能、也不能完全按照課程所提出的一切標準當成世界唯一的標準，這樣就會忽略掉個人的觀點，音樂欣賞課程就變成一種灌輸知識的課程了，它變成洗腦而不是教育了。每個人都有自己喜歡的音樂，都有自己獨特的音樂品味，無高低貴賤之分。音樂欣賞課程可以被當成教育，也可以被當成教義。

        大學的形成最早可追溯至1180年，當時出現了所謂的大師（Masters/Magistri），開始在城市裏經營學校，由自己擔任校長，而學校的規模也沒想象中大。教導學生讀拉丁文、寫拉丁文詩、培養學生的鑒賞力（包括一些古典的文學作品、一些論文等）、也教邏輯辯證法等。這種情形有點類似與中國古代孔子開班授課，教導倫理道德。這種形式的學校之所以會盛行本人認為是因爲在這種小班制的上課方式能讓師生之間的關係更近，師生間的瞭解較深，相比于一般學校，老師也能有更多精力，根據個別學生的興趣與能力去進行教導，當時的情形可能會與孔子的理論有些類似，即因材施教，學生能有更多的收穫。

        另外，在歐洲古時候，音樂是被以科學、數學、哲學或玄學的角度來看待的，就好比如音樂旋律的產生是因爲弦樂、管樂或打擊樂器能發出不同的聲音頻率，構成一串不同的聲音頻率在人們耳中便是一段旋律了，這進而可以涉及到人耳與腦部的構造。但是在現今單純以科學數學的角度研究音樂已不那麽主流了。多數人想到音樂便會聯想到美學。但我覺得不必太計較音樂到底是較爲偏向美學或科學 ，音樂本身是一個大自然的產物，音樂本身就衹是音樂，就看我們以什麽角度看待它，可是如果單純的以美學或科學來解釋音樂也不準確，那就會陷入我們人類自己創造的理論裏，那不是音樂本身的面貌。任何理論觀點都會有缺陷，相信以後人們能制定出一套更完整宏觀的理論來解釋音樂，讓人們對音樂有著更創新和全面的理解。

        18世紀，音樂納入美學的範疇，在這情境下，西方的大學裏會教音樂史，以及古人的音樂理論論文，當時所謂的實用，是指在理論上如何作曲，創造出更優秀的作品，而不是指樂器演奏技巧。其實這兩件事情我們都可以把它視爲實用性質的教育，因爲兩方的知識都可以應用在現實情景裏。在這一方面，我們可以歸納出一條界限，即有關作曲的專業，也有器樂演奏的專業。對於這兩個專業，音樂理論和演奏技巧都分別是對兩方來説具有實用性的知識。

        在美國，音樂教育在大學的情況與歐洲有所不同，在大學裏，音樂學院會提供學術與演奏方面的教育。而歐洲的大學裏音樂教育指的衹是學術、樂理方面的研究。相比于歐洲大學，進入美國的大學會有更多的可能性，學生所接觸的關於音樂領域的範圍會更廣，比如作曲專業的學生可以上關於演奏的課程，也可以與演奏專業的學生交流各自對音樂的想法。無形中便能以一個更爲寬廣的角度來認識、看待音樂。

        近年來無論電子技術、通訊網絡技術等科技領域不斷發展，人們學習的方式與管道都在不斷拓展，比如現在流行的網絡課程平臺Coursera、MOOC慕課等，甚至是YouTube，都可以學到各個領域的專業知識。現今，我們衹要手邊有一把吉他、一把口琴、一支笛子或任何樂器，就可以在網絡上學習相關的演奏方式，甚至還能在網絡上學習音樂理論，讓想學作曲的人能更好的去編排一首曲子，所以，面對面的傳統授課方式還有存在的必要性嗎？本人認爲還是有必要的，因爲傳統授課的方式有一項優勢——即時反饋，師生能在課堂上有豐富的互動，學生能在其中得到更多的反饋，錯誤能夠及時修正，疑問能夠更快解答。但這衹是理想情況，現實中如果學生沒有在課堂上提問、或教師沒有與學生有更多的互動，那我們的傳統授課方式實際上與網絡授課方式差不多。因此在未來傳統授課若要與綫上授課有所不同，便要增加其不可替代性，專注于更有趣與有效的互動與即時反饋的上課方式，如此面對面的授課方式才會在科技日新月異的時代保證其價值性。

        從文藝復興和啓蒙運動開始后，人類的思想得到解放，不再局限於教會的一家之言，使得許多新事物新思想陸續出現在大衆面前。教會的勢力逐漸沒落，聖樂的研究與重要性也逐漸減少。18世紀末音樂院開始介入人文方面的教學，而城市的迅速發展，出現了新的議會領導，塑造了新的音樂發展環境。

        巴黎音樂院是歐洲歷史上第一個由政府包辦的音樂院，這種政府自辦的國立音樂院的做法開始流傳到世界各國。巴黎音樂院在創辦初期便在當時成爲世界最高標準的音樂院，我認爲是應爲在政府的幫助下，巴黎音樂院能獲得許多教學上資源，像是優秀的教師、設備、教學空間與環境等。雖然在資源缺乏的情形下學校仍然有機會教導出優秀的音樂家，但音樂院的教學品質標準是多方面多元性的，教師的個人能力與教學方法佔很大的比重，可是師資再好若沒有一個良好的環境、設備，也多少會影響到教學的品質，畢竟巧婦難爲無米之炊。而另一方面，若校園環境有個良好的建設也可以間接讓教師與學生在心理上有一個推動力，往培養或成爲更優秀的音樂家的目標前進。

        另外，鋼琴與作曲的課程遲遲沒有在音樂院出現，我舉得是因爲在早期的教會時期，聖樂不太會用到鋼琴，而且交響曲也不太會會出現鋼琴，除非是鋼琴協奏曲。另外，古鋼琴在最初誕生時結構上與現代鋼琴有些差異，表現張力沒有其他的樂器好，直到後來慢慢鋼琴製造技術慢慢改進，以及莫扎特、貝多芬等作曲家的出現，創作出了許多膾炙人口的鋼琴曲，并且拓展了以往的作曲方式，才使得作曲與鋼琴漸漸成爲音樂院重要的課程。

        门德尔松在1842年协助舒曼成立莱比锡音乐学院（Leipzig Conservatory），门德尔松为首任校长，他希望能培養出優秀作曲家與超技的演奏家，并讓入學年齡開放成14-17歲，這與從前的音樂院入學年齡有很大差距。當一個學生從小開始接受音樂方面的熏陶，自然而然的在心智成熟以後更容易能在音樂方面做出更加深入的理解和創新，而且學院也能讓學生比一般的音樂家更早得到有效且系統性的教育與訓練，對于培養傑出作曲家與演奏家是有利的。

        1934年，出現了一個叫“社會現實主義”的主張，認爲藝術作品應該要能反映出社會的現實面。我認爲音樂及藝術的表達不應只局限於表現美好的事物，反映出社會現實面的表達沒有什麽不對，藝術應該要有更加多元的表達方式與表達内容。應爲藝術源於人類的感受與想法，它也是一個人類釋放發泄情緒的管道，這并不會使得藝術變得不健康，反而應該以健康與正確的角度來對待藝術。像是如今有許多的悲歌如柴可夫斯基的《舟歌》、貝多芬的《悲愴》，悲劇如莎士比亞的《李爾王》、抑或像是《呐喊》的畫作，都具有很高的藝術及欣賞價值。

本人為馬來西亞人，對於台灣的基礎教育體系不太了解，所有對於基礎教育的描述都是針對馬來西亞的教育，擔心各位出現疑惑，故在這裡統一解答。

        20世紀前期，音樂老師被要求擁有更多的相關領域的專業知識，包括設計課程、對學生進行評估、有組織能力以及管理能力等等，這無形中代表的是音樂教育逐漸受到各界的重視，也幫助推動了音樂教育界的發展。但人們過於嚴苛的要求也讓當時音樂教師收到極大的挑戰與壓力，這情況對於音樂教育的發展是非常不錯的。但是，讓有受過完整音樂教育的老師全權負責音樂的教導，包括小學的教導我認為是不恰當的。第一，師資的來源是一個問題，就算有接受過完整音樂教育的老師，以當時情況來看人數也不多，也難以分配到全部學校的全部學生，僧多粥少。第二，實際上一般小學生對於學習音樂的需求處於初步階段，如果能提供一些相對完整的培訓給有意願的在職老師，理論上應該能勝任教導小學生的工作。

 然而以目前的情況來看，在現今如果要追求更好的音樂教育，還需要到專門的機構學習，因此一般上學音樂，不管是聲樂、樂器還是樂理都需要付出一定的金錢成本，畢業後也不一定有意從事音樂相關的工作。因此現階段便需要其他老師來代替上課。音樂教育要成為基礎教育還有很長的路要走。如果音樂教育想像國文科、數學科那樣成為大眾化的教育，就必須要逐漸的增加學校音樂教育的質量、師資以及逐漸提升課程的難度，使學生受學校音樂教育的年份增加。可是真的有必要嗎？如果是那樣的話為什麼政府不干脆拓寬校園範圍，把如今的藝術學院與一般只有理科文商的學校結合起來？

 Music Education這個詞，所涵蓋的範圍比Music Training還廣大。但有一點可以確定的是如果一個人想要在音樂領域裡邁步至下一個更高的境界，他就必須要受到Music Education而不是Music Training的教育。想要更好的表現出出一首樂曲所要表達的內容，除了必須要有足夠的音樂素養、音樂知識，同時應該還要擁有關於人文方面的涵養，例如多閱讀提升自身視野與品位，因為演奏中表現的除了旋律以外，還能從中感覺出演奏者的心境、情緒，以及演奏者對於音樂作品的詮釋，音樂的感染力也由此而來。

 關於學生代表學校去進行音樂表演，這其實是非常好的。一方面可以鍛煉學生關於音樂演奏方面的能力與增加舞台經驗，另一方面也可以提升學校的聲譽。雖然這其中有學校利用學生作為提升校譽的工具的嫌疑，可是如果訓練的強度與學生的意願拿捏好的話，將會對雙方有非常多的益處。比如學生畢業後能除了學習到音樂相關的知識外，還會擁有舞台演出經驗，還可能得到校際或校外相關比賽的獎項。這對於想往音樂方面發展的學生是有益的，學校對於學生而言是能鍛煉和展現才能的一個舞台。

本人無意間修到音樂教育概論這門課，發現還蠻有意思的，故把報告整理成幾篇文章，供有興趣的各位看看，歡迎大家一起來討論:)

   縱觀音樂教育發展歷史，便可知曉當今音樂教育的普及得來不易。談及音樂教育，可回溯到希臘羅馬時期，當時的古希臘出現了一個叫荷馬的人，荷馬在歷史的存在至今還尚未有個定論，有學者認為荷馬是個不存在的人，原因為到目前為止尚未有任何可靠的證據顯示歷史上有荷馬這個人的存在，而他“流傳”下來的兩部作品，人們統稱《荷馬史詩》，有學者認為，這兩部作品是幾個世紀流傳下來的史詩結晶。

   在《荷馬史詩》裡有一篇文章叫《伊利亞特》，當中有提到一個叫Achilles的男孩，小時候便被父親託付給朋友Phoenix教導，他的學習方式便是跟著老師到許多不同的地方，接觸各式各樣的人，老師教導他如何待人處事、處理生活上的大小事等各種知識。對於這樣的教育，我覺得不管是在現代或是在當時還是一種非常不錯的方式，如果老師常年在教一位學生，那么他就能針對這位學生的個人能力與天分來使用對應的方式進行教育，恰好符合我們中華先賢孔子的教育理念——因材施教，書中常常提到一句話，叫讀萬卷書不如行萬里路，書的目的不只是為了讓人增加知識而已，它還承載著前人所累積的經驗，但最終知識還是要搬回到實際生活上來使用的，如果只是學了知識不去實踐，猶如紙上談兵，永遠也無法發揮出知識的力量。舉例來說，如果想要修一部車子，有兩位修車匠在你面前，一位是有十年年修車經驗的人，另一位是十年苦讀有豐富學識但完全沒有實作經驗的人，你覺得哪位比較有機會修好那部車？當然是有修車經驗的人！這也是現代普遍的一種教育通病。

   在古希臘羅馬時期，大多數人認為音樂只不過是一種旁門分支，並沒有什麼實際的價值，因而不值得投入時間在音樂上，這點感覺在當時非常可惜，可能是因為當時的樂器種類非常的少，而且並不普及，即使一個人對樂器有著極高天賦，但苦於沒什麼接觸樂器的機會而無法學習樂器，更無法從中感受音樂所帶來的樂趣和價值，使得音樂離當時人們的生活越來越遠。

   學校這種教育組織，最早出現在兩個地區，分別為埃及和美索不達米亞，這使得音樂教育有了一個固定且開放的管道讓有志之士學習，也打開了一扇門，讓原本在音樂大門外徘徊的學子得以進入音樂的殿堂，也無形中推動了音樂教育的發展。在中國古代，自孔子廣收門徒開創了私塾教育的教學形式後，中國便一直以來都有私塾的存在，開放給各階層人士受教育，而對於當時這種教育風氣，對於音樂教育的發展是有利的。另外，從中國古代的六藝中：禮、樂、射、御、書、數，音樂便佔有一席之地，便可看出音樂在中國早期便已有一定的地位，縱觀所述，可以認為人類文明早期歷史中中國的音樂教育發展是相較其他文明來得樂觀的。

清晨闹鐘響起

雙眼在朦朧中甦醒

從剛剛雲煙似的斑斕的夢

人們總說，要找到內心正真的自己，對於這類的問題我早已感到厭倦。如果說想從內心去找到正真的自己，我想那無異於癡人說夢，其實人本身就很矛盾，即害怕孤獨又享受寧静，時而感覺勇敢時而懦弱，時而成熟時而幼稚，并沒有一個正真永恆不變的人格，或者說衹能在單一情況下我們會表現出特定的特質，並不會在每種環境下我們還是表現出一樣的自己。
有人說尋找自己不能靠思考自己到底是誰，要靠外在，要在一件件經歷的事情中，从自己處理事情的方式來瞭解真實的自己，可是這也不過是利用外在的環境來塑造一個自己，不能說是"找到"自己，因為處理一件事情也是看自己對於一件事的態度，也是一種選擇，也就是說你選擇怎樣處理一件事，就代表你是怎樣的人，可是那也不對，每個人處理每件事情的態度不會永遠不變。人在成長中會一直改變，在平行宇宙中，我們的意識隨著時間的長流穿梭在各個宇宙，每個未來都是其中一個平行宇宙，這取決於你的態度，你想要什麼，就穿梭到什麼世界，這有點類似吸引力法則。
所以，最終最終，我還是一個沒有定性的人格，或者說每個人都一樣，突然發現我好像一張白紙，等待著我的，是要在這白幕上隨性地潑灑斑斕或暗彩。突然發現，我不過是張白紙，我的態度決定我是誰，每個人的態度決定他是誰。

每逢端午節，除非我們回到鄉下，否則爺爺奶奶會到吉隆坡來探望我們，來時總會帶著奶奶親手包的粽子，讓我們，包括生活在在吉隆坡的叔叔及姑姑一家品嚐到家鄉的味道，那是份心靈的寄託。我永遠忘不了大家一起聚在我家陽台，邊吃粽子邊聊天時的景象，談談天氣，談談近況，談談遠方的親戚，談談過往的回憶。我想奶奶包粽子的目的就在這吧，想和子孫見見面，理由便是那麼的簡單、單純。

奶奶會做兩種粽子。一種是鹼水粽，只有糯米，形狀是一般的菱角形，需配咖央醬吃；另一種是比較特別的肉粽，枕頭狀的，放了很多餡料。奶奶不但會在端午節包粽子，偶爾心血來潮也會開爐下廚滿足我們的口腹之欲，偶爾我們還能有幸目睹那美味肉粽的製作過程。

肉粽的製作工序複雜，奶奶先仔細挑選、煮熟食材後，再把粽葉及粽線剪好，把五香粉及糯米按比例混合好後，便開始熟練地在粽葉上放糯米、胡椒粉、瘦肉、鹹蛋黃、豆子、蝦米等，把粽子包紮好後便放到鍋裡蒸。待粽子蒸熟後，奶奶便高興地叫我們來嘗，這時，大家便會迫不及待的撥開粽葉，狼吞虎咽地把粽子一口一口往嘴裡送。就在我們吃得津津有味、贊不絕口之際，奶奶的臉上漸漸露出滿足的笑容。

不知何時，奶奶的粽子已成了我一年中，能嘗到幾次的食物。但我能肯定，每次吃粽子時，除了聞到淡淡的糯米香、誘人的五香配上瘦肉的香味、以及嚐到餡料的味道外，還有一種難以形容的味道。可如果你再用心細細咀嚼、品味，便會發覺一股暖意流淌於心間，發現原來那味道是奶奶濃濃的關愛，一種超出了身體上的感官、只能用心來體會的味道，我想，這便是粽子之所以美味的一大秘密，也是最讓我多年後仍回味無窮的味道。

每當在外看見粽子，我腦海里便會浮現出奶奶那造型討喜的枕頭粽，以及製作粽子時那熟悉的背影，嫻熟的動作，以及佈滿皺紋的面孔帶著認真的神情，靈巧的雙手中，枕頭狀的粽子一個個誕生了。那能讓人嚐了後感覺窩心美好的家鄉味道，敢問誰不愛？